Tecnologia do Blogger.
RSS

A NEGOCIAÇÃO (Arbitrage)

 
 
por Beto Besant
 
Robert Miller (Richard Gere) é um milionário empresário que vive uma crise nos negócios e precisa urgentemente vender sua empresa para quitar as dívidas.
É casado com Ellen (Susan Sarandon), com quem tem uma filha de nome Brooke (Brit  Marling), contadora da empresa. Mantém um caso extraconjugal com uma artista plástica interpretada pela bela modelo Laetitia Casta.
 
Antes da negociação ser concretizada, Miller envolve-se num acidente que pode comprometer a venda e consequência toda sua vida. Para resolver o problema, utiliza-se de métodos questionáveis, assim como os métodos de investigação do policial Michael Bryer (Tim Roth).


 
O filme trás Gere numa atuação irretocável, como há muito não fazia. O ator consegue dar veracidade a um personagem que ama sua família mas mantém uma amante, que é honesto mas utiliza-se de métodos questionáveis para conduzir seus negócios, que não prejudica ninguém mas está sempre no limite de fazê-lo, inclusive com sua própria família.
 
O roteiro e direção é do estreante em longa de ficção Nicholas Jarecki, que apresenta um belíssimo roteiro e direção competente. O maior mérito do filme é não ser maniqueísta. Desde a forma com que o protagonista administra seus negócios, como sua mulher o confronta, os métodos de investigação usados pelo policial até a decisão de extrema honestidade de sua filha mas que provoca reflexões, por irem contra os interesses da própria família.

Com um excelente elenco, o filme de certa forma desperdiça o talento de Sarandon em pequena participação, porém fundamental para o desfecho da história.

O único ator que está caricato é Tim Roth, que nada mais faz do que repetir suas "caras e bocas" da série Lie to Me.

Outra grande virtude de A Negociação é a montagem. Apesar de abordar um tema complexo, tanto pelo lado empresarial quanto pelo pessoal, mantém um ótimo ritmo de acontecimentos, prendendo a atenção do espectador e não dando a sensação de filme lento. Ao contrári do que acontece na maioria dos filmes do gênero.
 
O filme apresenta questões éticas e morais extremamente delicadas e complexas, e só isso já seria motivo suficiente para assistir a esse belo filme.
 
 
 
 

  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

O HOBBIT - UMA JORNADA INESPERADA (The Hobbit)

 
 
por Márcio Escudeiro
 
E mais uma vez, após quase 9 anos, após o ultimo episódio de O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei ter sido exibido nas telas de cinemas, estamos novamente no mundo da Terra-média, nas mãos de Peter Jackson, agora com outros personagens, e em mais uma aventura do mundo criado por Tolkien em, O Hobbit - Uma Jornada Inesperada.

O filme conta a trajetória de Bilbo Bolseiro (Martin Freeman), que enfrenta uma jornada épica para retomar o Reino de Erebor, terra dos anões que foi conquistada há muito tempo pelo dragão Smaug. Levado à empreitada pelo mago Gandalf, o Cinzento (Ian McKellen), Bilbo encontra-se junto a um grupo de treze anões liderados pelo lendário guerreiro Thorin Escudo de Carvalho (Richard Armitage). Essa aventura atravessará terras traiçoeiras repletas de Goblins e Orcs, mortíferos Wargs e Aranhas Gigantes, Transmorfos e Magos.
 
Embora o objetivo aponte para o Leste e ao árido da Montanha Solitária, eles devem escapar primeiro dos túneis dos Goblins, onde Bilbo encontra a criatura que vai mudar sua vida para sempre... Gollum (Andy Serkis).
 

Peter Jackson nos leva novamente ao mundo que parece tão familiar e tão comum, apresentados anteriormente no Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel. E tudo se passa na mesma época, a comemoração do aniversário de Bilbo Bolseiro, onde ele mesmo nos contará outra história, que precede a Sociedade do Anel em 60 Anos.

O filme é baseado no livro de autoria de J.R.R.Tolkien, O Hobbit, tendo a adaptação do roteiro feita pelo próprio Peter Jackson, além de: Fran Walsh, Guillermo Del Toro e Phillippa Boyens, com a difícil missão de conseguir atingir o sucesso que foi a trilogia de Senhor dos Anéis.

Mesmo com algumas falhas visíveis e alguns remendos para tornar a história do livro, já infantilizada, mais interessante (tendo em vista que os filmes anteriores do Senhor dos Anéis tinham um enfoque mais denso, sombrio), a história deste é basicamente uma aventura sem o mesmo peso dramático da trilogia anterior.
Mas o grande diferencial está na ótica que Peter Jackson consegue dar ao filme. Ele consegue nos fazer sentir que estamos em uma revisita à Terra-Média, em uma mista sensação de que nunca nos esquecemos daquele mundo.
Essa revisita só poderia ser capaz graças à trilha-sonora do já conhecido Howard Shore (trilogia Senhor dos Aneis), que dão o teor musical necessário e de extrema importância, partindo da bela canção cantada pelos 13 anões na casa de Bilbo Bolseiro.


Outro ponto que gerou grande dúvida foi se esse novo elenco seria convincente, e mais uma vez acertaram na escolha. Exceto alguns casos em que anões se tornam meros coadjuvantes, chegando ao ponto de certas características serem deixadas de lado.
 
No mais, O Hobbit: Uma Jornada Inesperada é uma grande aventura, com inúmeros detalhes, efeitos bem trabalhados, que se deixarão notar bem mais em uma versão 3D e é o grande filme deste final de ano, que só acabará dando uma maior vontade nas sequencias que estão por vir.

 

  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS


 por Rogério de Moraes
 
Livros de história podem nos ensinar sobre os fatos de uma época. Porém, tornam-se falhos quando se trata de transmitir o espírito de um tempo. Esse “sentimento de uma época” é uma percepção muito mais ligada ao cotidiano do detalhe do que aos grandes acontecimentos. Porque saber das coisas é muito diferente de sentir as coisas.
 
Pois é pelo viés do “sentimento das coisas” que se monta Infância Clandestina, filme argentino dirigido por Benjamín Ávila e que foi o escolhido pelo país para tentar uma vaga entre os indicados ao Oscar de filme estrangeiro.
 
Baseado em fatos reais, o filme traduz pelo sentimento uma época sombria da história argentina: a ditadura militar – um câncer político que se espalhou por países latino-americanos na segunda metade do século 20.
 
Contudo, mais que político, Infância Clandestina é um filme sobre o amor e sobre a perda da inocência. Porque será dentro do encanto infantil, da descoberta do sentimento em meio a uma vida conturbada, que se revelará a aspereza de um tempo.
 
A figura em torno da qual se desdobrará tais descobertas é o jovem Juan (Teo Gutiérrez Romero), filho de pais ativistas políticos de esquerda. A família retorna ao país clandestinamente depois de um tempo exilados. Planejam ações armadas contra o governo militar. Juan, de não mais que 12 anos, acompanha os pais. Deve usar nome e documentos falsos. Chama-se agora Ernesto e deve fingir ser de Córdoba.
 
É entre esse sentimento de dever clandestino e as descobertas naturais da infância que o jovem Juan se equilibra. Ele entende seu dever sem questionar, inspirado pelos pais e pela figura do tio, também um revolucionário.
 
Ao mesmo tempo, Juan passará pela experiência do primeiro amor, sentimento que vai aflorar no convívio escolar, através da figura de María (Violeta Palukas). Entra aí a delicadeza do filme ao construir essa relação de inocência típica da idade, com frios na barriga, hesitações e o descobrimento de desejos antes desconhecidos. Na condução dessa narrativa, o diretor equilibra todos os tons de forma suave, mas sem roubar da atmosfera a intensidade que ela exige por ser também retrato de um tempo cheio de perigos. A inteligência do filme reside na forma como este matiza a vida de Juan, como transmite uma estranha naturalidade em seu cotidiano incomum.
 
 
 
Tão jovem, ter a firmeza de sustentar uma identidade falsa. Mas também manter com os pais a mais natural das relações de qualquer infância. Neste cotidiano de aparência comum, o convívio com armas, reuniões em que as pessoas chegam vendadas, planos de fuga no caso de serem descobertos.
 
Todo um clima de incerteza, toda a tensão da guerrilha presentes nesta infância. Uma infância que tem ainda de lidar com a descoberta do amor e toda inocência do sentimento que surge nesta idade. Através disso, o filme nos envolve com o clima de uma infância sob o clima de um tempo. Está ali o sentimento de uma época, mas não transmitido pela ótica de adultos, cujas memórias serão sempre secas. Mas pela ótica da iniciação, filtrada pelo sentimento da infância, cuja tradução manterá sempre um pouco de ingenuidade adocicada. Porém, no caso de Juan, guardará também a secura e o amargor de um tempo duro, que o marcará pela violência e pela perda mais dolorosa.
 
 

  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

OS PENETRAS



por Beto Besant

Marco Polo (Marcelo Adnet) é o autêntico "bon vivant", típico malandro carioca. Vive de pequenos "bicos" e pequenos golpes para se sustentar, sempre procurando boa vida, com belas mulheres e festas.

Por acaso, acaba salvando a vida de Beto (Eduardo Sterblitch), e percebe nele a possibilidade de ganhar dinheiro fácil com o ingênuo rapaz do interior que tenta reconciliar-se com sua namorada Laura (Mariana Ximenes).
Obviamente, Marco Polo fica interessado pela bela moça e tudo sai de seu controle.

Logo os dois rapazes passam a frequentar as badaladas festas cariocas e mudam sua percepção das coisas. Marco Polo passa a ficar amigo de Beto e sensibilizar-se com sua história, por outro lado, Beto começa a deixar de lado sua inocência e perceber a malícia do Rio de Janeiro.


Dirigido pelo renomado e experiente Andrucha Waddington (Casa de Areia, Eu, Tu, Eles e Lope), Os Penetras parece acreditar que para se fazer uma boa comédia basta ter dois protagonistas talentosos e um elenco coadjuvante renomado, como: Luís Gustavo, Andréa Beltrão, Stepan Nercessian e Susana Vieira. Claro que tem uma boa produção (de três milhões de reais), fotografia e direção (afinal de contas Waddington é talentoso e experiente), mas de nada adianta isso se o resultado não é engraçado.

Tudo no filme é previsível e sem graça. Falta liberdade aos atores para improvisarem e mostrarem "a que vieram". De que adianta fazer uma comédia onde tudo é "certinho demais" se o resultado não condiz com o gênero?


Uma pena, um filme de um cineasta com um trabalho tão sólido ser tão superficial e sem graça. Apesar disso, deve atrair bom público (devido ao elenco e campanha publicitária) e tirar boas risadas do público médio, que sai de casa disposto a rir independentemente do que veja na tela.


  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

A ÚLTIMA CASA DA RUA (House at the End of the Street)


                                                                                                                         
por Márcio Escudeiro

Jennifer Lawrence (Jogos Vorazes) estrela mais um filme esse ano, o Suspense/Horror A Última Casa da Rua – que traz na direção o novato Mark Tonderai.
Sarah e Elissa (Elisabeth Shue/ Jennifer Lawrence) são mãe e filha que acabaram de se mudar para uma cidade pacata.  Tudo parece calmo e tranquilo – tão somente quando Elissa descobre que, na casa que fica do outro lado da rua, aconteceu um duplo assassinato. Mas as coisas se complicam mesmo quando ela faz amizade com um garoto, o único sobrevivente da tragédia.

Mark Tonderai é um diretor novato no mundo do cinema, onde seus trabalhos anteriores se voltaram para "Home Video" e um documentário, sendo este o seu primeiro trabalho para a tela grande. O roteiro é de  David Loucka (A Casa dos Sonhos) e o argumento Jonathan Mostow (diretor de O Exterminador do Futuro 3).

Mesmo tendo alguns defeitos e um roteiro vicioso onde certas coisas acontecem por coincidência, A Última Casa da Rua acaba surpreendendo em alguns momentos decisivos, criando um clima tenso, com direito a vários sustos no transcorrer do filme – e isto é graças ao talentoso diretor de fotografia Miroslaw Baszak (Terra dos Mortos), que conseguiu criar na sua ótica e na levada da câmera uma tensão acima da média em filmes de terror, a começar pela obscura floresta que ele retrata tão bem em sua lente, e na condução da câmera, criando os momentos mais interessantes do filme.



Mas claro, A Última Casa da Rua consegue chamar a atenção com o interessante elenco reunido, Jennifer Lawrence conseguiu transmitir em uma boa interpretação, a curiosidade, e mesmo com alguns vícios nesse tipo de personagens – de como são burros quando o perigo os rondam, mas sempre com carisma. Talvez um dos únicos excessos de sua caracterização seja o exagero em sua maquiagem – talvez por ela tentar viver uma adolescente de 17 anos. Elisabeth Shue vive a mãe, que traz com uma certa leveza e um pouco de ironia, uma viciada em seu trabalho, mas que mesmo assim se preocupa com a filha, e as duas se completam, trazendo em um dos destaques uma certa inversão de papeis em momentos do filme.

No mais, o filme chama a atenção, apesar de não ser um dos melhores filmes de terror de todos os tempos, mas sim um dos melhores do ano, tão simplesmente pelas coisas simples que compõe essa história, que prenderá os espectadores.

  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

MARCELO YUKA NO CAMINHO DAS SETAS


por Beto Besant

Baterista e ex-líder da banda O Rappa, o filme aborda os altos e baixos na vida e carreira de Marcelo Yuka.
Já de início, vemos o músico baleado, sendo posto em uma ambulância enquanto seu pai se irrita com as insistentes perguntas não muito inteligentes da imprensa mais sensacionalista.

A partir daí somos apresentados ao protagonista do documentário. Do sucesso atingido pela banda, passando pela tragédia ocorrida em sua vida, até sua expulsão e retomada de sua carreira. 


O excelente documentário foi dirigido por Daniela Broitman, jornalista e amiga de Yuka, motivo pelo qual conseguiu livre acesso à vida do músico e teve o mérito de deixá-lo à vontade para expor sua vida e sua luta diária.

Com muita transparência, Yuka revela todos os problemas que vem enfrentando desde o fatídico dia em que deparou-se com uma falsa blitz e na tentativa de voltar de marcha à ré viu seu espelho retrovisor explodir, e em seguida seu braço esquerdo. 

Passada a fase onde os médicos cogitaram amputar seu braço, sua rotina é de muita dor e tentativas primárias de uma fisioterapia feita de forma intuitiva por seus amigos.

Yuka conta que após um ano do ocorrido foi surpreendido com uma reunião onde sua banda já tinha decidido expulsá-lo. Algo que considera desumano, pois não tinha condições físicas de ir aos ensaios e seus colegas não queriam ensaiar em sua casa. Em seguida vemos que o verdadeiro motivo foi financeiro, pois como letrista de todas as músicas da banda, o baterista recebia 50% dos lucros, e como cocriador das músicas levava mais 10%. Restando 10% para cada integrante.

Neste ponto é muito digna a forma com que a direção e a montagem apresentam os fatos de forma imparcial, deixando a conclusão para o público.

Após a expulsão, acompanhamos a banda F.U.R.T.O, criada pelo baterista e seu trabalho solo, onde fez uma apresentação no Rock in Rio com a cantora Cibele.

O melhor do filme é ver a rotina de dor e sofrimento do músico, que se nega qualquer tipo de autopiedade mas conta de forma franca que já cogitou o suicídio. Há momentos engraçados, onde seus pais separados discutem e ele conta vive numa guerra entre Estados Unidos e União Soviética. Também há momentos emocionantes, onde seu irmão mais jovem (fruto de um segundo casamento de seu pai) deita-se sobre seu corpo tentando demonstrar todo o carinho possível. É tocante o momento onde Yuka oferece sua prancha de surf ao irmão mas este recusa, dizendo já ter a sua. E diante da insistência diz: "Você desistiu de viver?"

Por mais que pareça contraditório, o fato de ter ficado paraplégico fez com que o músico desenvolvesse um trabalho social nas cadeias do Rio de Janeiro, pois diz que não foi vítima de um marginal, mas sim de um sistema que faz com que a população pobre tenha que viver uma vida marginal. Os próprios presidiários demonstram surpresa com a atitude de Yuka, que sempre foi engajado nas causas sociais.


Fica claro que o sofrimento diário faz com que o baterista se sujeite a qualquer tipo de tratamento, independente dos riscos envolvidos, para se livrar das dores, uma vez que, por questões minimas perdeu as chances de um tratamento que poderia fazê-lo voltar a andar.

É um filme maduro, delicado e isento de julgamentos. Apenas se propõe a mostrar, de forma respeitosa, a dura vida do agora cadeirante.


  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

CURVAS DA VIDA (Trouble with the Curve)



por Beto Besant


Gus Lobel (Clint Eastwood) é um experiente olheiro de um time de beisebol. Além de enfrentar sérios problemas de visão, é considerado ultrapassado pelos novos olheiros, que utilizam da tecnologia para comparar as estatísticas dos jogadores e assim identificar talentos.

Sua filha Mickey (Amy Adams) tira uns dias de férias de seu trabalho como advogada em Nova Iorque e vai visitar seu pai, com quem não tem um bom relacionamento. Por "coincidência", Johnny (Justin Timberlake) que é um ex-jogador, fã de Gus e olheiro de um time rival, vai até a cidade.


Qualquer coisa que se possa acrescentar à sinopse será redundante, pois o filme nada mais é do que uma sequência de clichês. A sensação que temos é que os produtores pensaram: "vamos fazer um romance, porque esse gênero tem público feminino cativo". Aí alguém disse: "mas precisamos de algo que chame a atenção dos homens, vamos colocar o beisebol como pano de fundo".
E para completar a história? Uma chuva de clichês.


Tudo que acontece no filme é certinho demais e previsível demais. Em trinta minutos já temos vontade de deixar a sala de cinema por sabermos o que vai acontecer. E é exatamente isso que acontece.

Eastwood está atuando melhor do que quando era jovem, Timberlake cumpre seu papel e tem sintonia com Adams, que está lindíssima, mas nada sai do óbvio, tudo é mastigado para o público. Temos a sensação de estar assistindo a um filme da Sessão da Tarde pela décima quinta vez.

É uma pena ver um artista do calibre de Eastwood num filme desses, a única justificativa é por ter na direção o estreante Robert Lorenz, seu assistente de direção em diversos filmes.


  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

DISPAROS



por Beto Besant

Henrique (Gustavo Machado) é um fotógrafo arrogante, que se sente um grande profissional, apesar de realizar trabalhos de gosto duvidoso.
Certo dia, após uma sessão de fotos em uma boate gay, é assaltado e tem seu cartão de memórias da câmera levado. 
Os ladrões são atropelados por um carro que foge do local. Ao chegar na delegacia, o fotógrafo depara-se com o inspetor Freire (Caco Ciocler). Com um misto de ironia, sarcasmo e jocosidade, o policial decide passar seu plantão divertindo-se com a vítima e dando-lhe uma lição.
Paralelamente, vamos conhecendo outras histórias, como seu colega homossexual que cai no golpe "boa noite Cinderela" ou seu outro colega que transa com sua mulher. 



A dupla Gustavo Machado e Caco Ciocler são os responsáveis pelos melhores momentos do filme, que apesar de não ser nada brilhante, tem boas "sacadas" e suas interpretações dão força aos diálogos. Não foi à toa que Ciocler foi premiado como Melhor Ator Coadjuvante no Festival do Rio.

A montagem também é bem interessante, pois alterna a cronologia dos fatos dando maior interesse à história. Apesar do filme também ter ganho o prêmio de Melhor Montagem no Festival do Rio, tem uma tremenda falha ao apresentar após os créditos uma cena totalmente dispensável, que estraga toda a boa impressão causada. Ao meu ver, perdendo o merecimento ao prêmio.

Juliana Reis, roteirista e diretora, conduz bem a trama e os excelentes atores, porém demonstra que deveria ter desenvolvido melhor o roteiro (sua especialidade) que não tem força para segurar os 82 minutos de filme. A trama falha ao não desenvolver as histórias paralelas, dando a impressão de estarem deslocadas da trama principal, mesmo sendo com personagens ligados ao protagonista.

Não é nem de longe um dos grandes filmes brasileiros, mas vale à pena ser visto pelas atuações de Ciocler e Machado, além da boa montagem (com exceção ao à cena final.
   


  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS

HOLY MOTORS


por Rogério de Moraes

Se você não viu Holy Motors, não tem a menor ideia do que se trata esse filme. E se você já viu, provavelmente continua sem ter a menor ideia do que se trata.

Treze anos depois de seu último longa, Pola X, o diretor francês Leos Carax apresenta um trabalho inclassificável. Uma impossibilidade de rótulo, e de gênero, que pode tanto servir ao elogio máximo como à crítica mais demolidora.

Pode-se amar Holy Motors ou abandoná-lo antes da metade. Isso porque o filme apresenta uma caótica e aparentemente desconexa proposta, difícil de digerir assim, no susto. Para seguir adiante, após o choque de insólito inicial, é precioso se permitir o prazer de não entender, de sair do cinema montado na incerteza. Sem isso, nada feito.

Também é necessário se permitir viajar a cada nova história não contada. Anti-histórias, sim, mas exibidas com um vigor, sensibilidade e prazer estético como raramente se vê.
Não há uma trama em Holy Motors, há apenas o dia de um homem que não se sabe quem é, que transita por Paris a bordo de uma limusine e que ao longo do filme se transformará e viverá com a devida e necessária intensidade diversos personagens.

De um louco que sai do esgoto para seduzir Eva Mendes com uma lambida no sovaco - logo após arrancar a mordidas dois dedos de uma assistente de produção, de um encontro melancólico de memoração do passado, de um pai entristecido pela mentira da filha, até o magistral interlúdio ao som de acordeões, sem deixar de passar pela morte e ressurgimento. Assim nos atravessa Holy Motors.

Violência, miséria, rancor, absurdo, tecnologia, frustração. Há de tudo um pouco na jornada de um dia desse personagem que são muitos personagens. São faces e faces de Oscar, interpretado por Denis Lavant. O sentido dessa jornada, ora efusiva e estonteante, ora melancólica e filosófica, pode se perder nas entretramas que se sucedem, nos encontros e desencontros programados sabe-se lá por quem e para quê.



Num mundo tão ávido por sentido, símbolos e significados. Em um tempo em que o cinema comercial é tão mastigado que dispensa até que se olhe para a tela, um filme cujo sentido não está tão facilmente ao alcance da mão vem a calhar.

Nada disso seria válido ou mesmo digno de nota não fosse a acurada câmera de Carax. O diretor constrói sobre o nada climas de um onírico realista, uma espécie de sonho sem metafísica. Impõe ao filme ritmo, cores e atmosferas que destacam uma assinatura vigorosa, marcante, única.

Não gostar de Holy Motors é parte do jogo, é a essência do cinema, que nunca foi feito – e bom que seja assim – de unanimidades. Pode-se até desprezá-lo ou abandoná-lo ao meio, mas não é possível vê-lo sob a égide do impassível.

Não se abandona este filme por tédio, mas talvez por desesperança. A desesperança de ver algum sentido. Mas o sentido pode ser buscado após, ou na releitura ou inventado.

O que Carax nos proporciona é a oportunidade de escavar esse sentido. Nos apresenta um leque de caminhos que se bifurcam, menos borgiano e mais Lewis Carrol, porém não menos intenso que ambos. Nem menor.

Entender ou não é o de menos. Holy Motorstem em si algo de essência cinematográfica, uma essência que tem escorrido por ralos de mediocridade, afetação e superficialidade. A essência da jornada, da experiência, da provocação, do estímulo ao pensamento e, principalmente, do estímulo aos sentidos. Pode até não significar nada, mas é um nada mais pleno do que muito estofo vazio que se vê por aí.



  • Digg
  • Del.icio.us
  • StumbleUpon
  • Reddit
  • RSS