CINEMA

por Diego Castro

Outra obra literária conhecida, Distopias Juvenis ganha as telas do cinema. Desta vez tendo o elenco liderado pela a conhecida Chloë Grace Moretz (Kick Ass), que encarna a personagem Cassie Sullivan, adolescente normal que tem o seu mundo - literalmente - virado de ponta cabeça.

Após uma nave alienígena aparecer no céu, alguns ataques começam. Apelidados de ondas, a primeira foi um pulso eletromagnético, a segunda foram maremotos, varrendo cidades inteiras. A terceira onda foi um vírus que matou parte da população no planeta e a quarta foi a possessão de seres humanos pelos alienígenas (igual ao filme Invasores de Corpos). Se não assistiu, por favor assista, é ótimo. 

Com medo, os seres humanos apenas sabem que a quinta onda está próxima, e Cassie tem certeza de que vai estar no centro dela. 

Este filme tem uma premissa interessante, afinal este é um tema que Hollywood não usa há muito tempo. Por outro lado, o filme se perde num roteiro pobre e um diretor sem domínio da sua arte. As cenas perdem força, mesmo que a intenção seja outra. O longa tem um primeiro ato sólido e intrigante, mas no segundo ato desmorona.

O desenvolvimento da história vai ficando pior a cada instante, pois ela se divide entre Cassie procurando seu irmão - que foi levado pelo exército - e um garoto chamado Ben Parish (Nick Robinson) que foi recrutado pelo exército depois da morte da família.
O roteiro faz questão de ter essas duas partes no enredo, uma correndo paralelamente à outra, nunca se aprofundando totalmente em nenhuma delas. Não há tempo de construir relações com Ben Parish, pois não sabemos quem é ele antes do ataque, nem a história da Cassie.
Além de parar no meio chega a ser entediante, a personagem fica fora das grandes reviravoltas da trama, que são importantes para o filme conquistar sua audiência. Ou seja, existe uma história muito interessante acontecendo e você não pode ver, pois a protagonista não está no centro do furacão, como a sinopse diz.

Um ponto positivo é a montagem do longa, sabendo dosar a informação necessária para o espectador durante a cena. Contudo, cada frame mostra quanto o diretor opta pelo básico, sem arriscar.

O elenco parece apático. Chloë Grace Moretz, por exemplo, sabe entregar uma boa atuação quando o diretor consegue extrair. Porém, quando ela precisa atuar com o seu par romântico, é quase sofrível ver os dois em tela, a química chega a ser lastimável, mesmo os produtores jogando em uma trama segura como a da Bela e a Fera. O romance insinuado pelo casal fica fraco e bobo.

Sendo assim a 5ª Onda é uma oportunidade desperdiçada e genérica, quem sabe melhora numa continuação, caso isso aconteça.

Charlie vem há vários anos encantando adultos e crianças, tendo o mesmo efeito da Turma da Monica aqui no Brasil. Contudo, ao invés de se adequar com o seu tempo se distanciando do carisma original para agregar uma nova audiência, vemos que Charlie Brown tem uma evolução bem mais sutil do que a Monica, mantendo o carisma para todas as idades, não importando que época você nasceu, sendo esse filme prova irrefutável desse pensamento.

No bairro de Snoopy e Charlie Brown muda-se uma nova garotinha de cabelos ruivos, por quem nosso garotinho de roupa amarela se apaixona e vai tentar de tudo para conquistá-la, tendo ajuda de seu fiel companheiro Snoopy. 

A premissa do longa é simples, parecida com muitos filmes do Snoopy e sua turma (os especiais para TV nos EUA). Logo no início é impossível não perceber como os animadores casaram harmoniosamente o estilo 2D com o 3D, criando em cada frame um quadro lindo e estilizado de forma primorosa, deixando animação diferente de outros estúdios (Pixar e Dreaworks), criando uma identidade própria e bem-vinda, o que poderia se chamar de 2.5D, uma evolução clara do mundo do Peanuts.

Claro que a estética do filme cairia por terra, se não houvesse uma história à altura da animação. Os roteiristas conseguem preencher este - que era o maior desafio - contar uma história singela, passando várias lições humanas e esbanjando nostalgia, sem ficarem presos a fórmulas do passado, mas apenas prestando homenagem a elas, mostrando algo novo para a audiência infantil e sem esquecer seu antigo público, que se encontra no cinema com seus próprios filhos. Esse é um dos pontos positivos da animação, sem esquecer o trabalho lindo da dublagem, que se mistura bem com o espirito do longa (sendo dublado apenas por crianças). É uma boa interpretação de um elenco inexperiente, onde as vozes conseguem apresentar todas as qualidades e defeitos dos personagens, além de Snoopy - que rouba cada cena - enchendo a tela de carisma acompanhado pelo passarinho Woodstock.

BlueSky Studios se destaca com uma distinção formidável, mesmo tendo alguns aspectos para chamar atenção dos pequenos (músicas pop que embalam algumas cenas) que não prejudicam a experiência nostálgica, aproveitam para explorar com admirável sutileza os cenários e os ambientes propostos. Nada parece forçado, tudo flui com a trilha sonora original, que faz você pensar nos sábados de manhã vendo a TV.

O ritmo desacelerado do filme pode pegar as pessoas desprevenidas, mesmo sendo um pouco maior do que uma tirinha de jornal, contudo a animação consegue contagiar a todos ao assistirem, principalmente os pimpolhos de todas as idades, até os mais velhinhos.

A Grande Aposta é um filme hilariante e genial. E ao mesmo tempo causa asco ao espectador. O diretor Adam McKay destrinchou uma história bem complicada para os mais leigos e tentou trazer para um nível mais popular uma das piores crises financeiras da história. A maneira que ele faz isso é de bater palmas. Ao mesmo tempo não deixa de lado os culpados de lado nessa questão. É aí que o espectador tem vontade não de levantar e bater palmas, mas sim bater no primeiro banqueiro que encontrar.

De maneira um tanto documental, McCkay acompanha três núcleos que previram de um jeito ou outro a futura crise. Para entender suas motivações ou visão de mundo, o diretor conta a história deles por meio de flashbacks e por depoimentos de outros personagens. E nesse meio caminho entre dramatização e documentário, temos fatos sendo explicados por narrações off e de maneira espetacular por pessoas mais próximas da nossa realidade: as atrizes Margot Robbie e Selena Gomez, o economista Richard Thaler e o chef Anthony Bourdain explicam as dezenas de siglas e como o mercado funciona em situações de crise. É tão inesperado e tão engraçado que esses momentos mereciam aplausos no meio da sessão. Mesmo que você saia confuso com as explicações.

O diretor quebra a quarta parede com as explicações dos que estão de fora e dentro daquele mundo tão complicado, numa interação espectador/filme pouco vista no cinema atual. E ao invés de usar esses elementos de narração como muleta, o diretor serve a narrativa com ela. Por exemplo, ao contar a história de como Michael Burry (Christian Bale) perdeu um olho McCkay humaniza o personagem. E ele faz o contrário quando Jared Vennett (Ryan Gosling) faz uma piada racista com o seu contador oriental – que é tão americano quanto ele – para reforçar a imagem escrota desse personagem.

Apesar da comédia que permeia todo o filme, McCkay é competente o suficiente para manter os pés da audiência no chão. De vez em quando, ele nos lembra de que muita gente sofre nesse ínterim – enquanto aponta o dedo para aqueles que merecem. Vejam Mark Baum (Steve Carell), que tem um nojo por esse mercado que participa – um sentimento atrelado a um evento recente – e por isso vai com afinco na proposta de Vennett, que poderia prejudicar as víboras de Wall Street. Numa marcante cena que ocorre em Las Vegas, vemos que o personagem estava a ponto de esmurrar um banqueiro que se vangloria do jeito que ficou rico.

McCkay continua divertindo os espectadores sem esquecer-se da realidade. Ainda na primeira metade do filme, quando Baum e seus sócios começam a pesquisar in loco grandes propriedades em bairros de alto padrão praticamente vazios, conhecemos um homem que paga seu aluguel em dia, mas que não faz ideia como o dono da casa está financeiramente. Um pouco mais a frente os amigos Charlie Geller (John Magaro) e Jamie Shipley (Finn Wittrock) entram na jogada e percebem que podem ganhar muito dinheiro. E quase inocentemente começam a dançar de alegria e são repreendidos por Ben Rickert (Brad Pitt) que explica para os jovens – consequentemente para nós – a real dimensão da crise.

Determinado momento uma frase sem autor conhecido aparece na tela: “A verdade é como poesia, e a maioria das pessoas detesta poesia”. A Grande Aposta fala algumas verdades, coisas que nós, dentro de um relativo conforto, preferimos ignorar. É uma história sobre ganância e de como podemos ser facilmente enganados por aqueles que nunca vão sofrer numa crise. Criamos ódio desses personagens tão torpes, principalmente no tom mais sombrio do terceiro ato. E o que mais faz mal é saber que nada mudou. Talvez produções que atinjam as massas possam abrir os olhos de mais gente. Mas a verdade é que é preciso muito otimismo para esperar isso.

A cena inicial do filme trem aproximadamente cinco minutos. É um plano longo mostrando uma carroça vinda ao longo de uma imensidão branca à enquanto vemos os créditos do filme. Já é suficiente para entender o clima que, apesar da contemplação e do símbolo da figura de Cristo enterrada na neve, poderia sim ser diminuída. Se há algo para se reclamar do filme é esse exagero dos seus 160 minutos – algo que Bastardos Inglórios e Django Livre pareciam não ter.

O que temos a seguir, nesse e no ato seguinte, é um road movie onde Tarantino desenvolve a personalidade distinta de metade dos oito odiados. Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) é mais louca, porém perigosa. Ela é uma mulher tão forte – num sentido mais figurado que literal – que precisar ser presa em correntes. Ainda nessa situação, ela confronta John “O Carrasco” Ruth (Kurt Russell), um caçador de recompensas desconfiado e dono de mais força bruta. O Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson) é mais prático e seguro de si e, como vamos entender melhor mais à frente da narrativa, sabe o que precisa fazer para sobreviver num país assolado pelo racismo.

Chris Mannix (Walton Goggins) aborda a carroça durante essa viagem, servindo de elo entre atos ao se apresentar como o novo xerife de Red Rock, onde Ruth será enforcada e Ruth receberá sua recompensa. É nesse momento em que Tarantino planta habilmente a semente da desconfiança dessas pessoas. Elas estão lá por ser o que dizem ser e é uma incrível coincidência estarem ali? Com isso, você volta alguns minutos atrás e se pergunta até se os motivos de Warren são verdadeiros.

Com os novos personagens isolados começamos a pegar as inspirações de Tarantino para essa nova produção. Ecos de O Enigma do Outro Mundo e o romance E Então Não Sobrou Nenhum (de Agatha Christie, também conhecido como O Caso dos Dez Negrinhos) estão lá para quem quiser ver. Bob (Demián Bichir), Oswaldo Mobray (Tim Roth), Joe Gage (Michael Madsen), e Sanford Smithers (Bruce Dern) podem ser ou não o que dizem. E essa duvida vai corroer não só Warren, Ruth e Mannix, mas também o espectador, auxiliado por uma narração off, mas sutil, que mostra detalhes que perdemos por causa de uma discussão entre o soldado negro e Smithers, um general confederado e tão racista quanto o novo xerife.

Outra grande qualidade da produção, se não for a maior, é a ausência de heróis. Não quer dizer que o protagonista – e que desafio é determinar quem seja – não passe pela chamada “jornada do herói”, mas cada um dois oito são bem desgraçados, cada um a sua maneira. São personagens tão detestáveis que você dificilmente gostaria de viajar com eles, o que se reflete na hesitação de O.B. Jackson (Parks) em receber mais gente em sua carroça.

Em outros filmes Tarantino usou a figura do oprimido contra o opressor – uma mulher em Kill Bill, os judeus no já citado filmes de 2009 – e aqui repete o papel do negro como já tinha sido em 2012. Não é à toa quando digo que esse filme é uma representação de parte da história dos EUA, o que fica bem explícito em um dos diálogos de Warren com Ruth sobre uma carta que o antigo combatente sempre leva consigo, escrita pelo então presidente Abraham Lincoln. E também no embate que Warren tem com Smithers, mostrando o que um negro tem que fazer para sobreviver na América – mostrando o grande ator que o personagem é.

Com boas surpresas e cheio de diálogos inteligentes, Os Oito Odiados tem alguns problemas na escolha do diretor de alongar demais a narrativa, o que pode tornar a experiência maçante para alguns – provavelmente o montador Fred Raskin não tem o poder que Sally Menke tinha no diretor. No entanto, demora bem pouco para as cenas interessantes acontecerem – a cena com Warren sentado em três cadáveres empilhados na neve enquanto espera que alguma carroça apareça é impagável. É uma eficiente mistura de violência, comédia e tiros. Poderia ser menos violento? Sim, mas não seria Tarantino.

Como estratégia de marketing, foram amplamente divulgados os 134 minutos ininterruptos. Obviamente, isso só tem efeito para estudantes de cinema ou cinéfilos, pois o público médio nem repara nos cortes. Exceto nos casos em que a ordem cronológica é bruscamente interrompida – como em Pulp Ficition, 21 gramas, Babel, etc. Inclusive, o cinema clássico presa exatamente por fazer com que o público não perceba os cortes e assim se identifique mais facilmente com a história. 

A forma de se filmar - alardeada pelos distribuidores - acaba por ofuscar os méritos do filme. Prova disso é que este texto não pode falar do filme sem antes mencionar a técnica.

Na trama, Victoria (Laia Costa) é uma espanhola que vive há três meses na Alemanha. Sem amigos, vai até um clube noturno onde conhece quatro rapazes: Sonne, Boxer, Blinker e Fuss. Sem outra opção, a garota decide acompanhar os rapazes delinquentes pela noite de Berlim. Logo surge um interesse mútuo por Sonne (Frederick Lau), uma mistura de Marlon Brando com Gary Oldman, que demonstra ser o mais “ajuizado” do grupo - o que não garante muita coisa – e preocupado com o bem estar da garota.

No primeiro terço do filme – um pouco lento – fica a impressão errada de que o filme ficará apenas mostrando um retrato da juventude já abordado em outros filmes como Kids (1995) e Trainspotting (1996), mas em vez disso, o filme vai se tornando gradativamente mais tenso e levando a protagonista a uma situação cada vez mais descontrolada e surpreendente que - apesar da limitação de ritmo imposta pelo plano-sequência – é capaz de nos prender na poltrona e não perceber o tempo passar.

Bem dirigido pelo também ator Sebastian Schipper (Corra Lola, Corra), Victoria tem como suas maiores virtudes o bom elenco – sabiamente conduzido por Laia e Frederick – que conseguiu dar muita naturalidade aos improvisos feitos em apenas 12 páginas de roteiro. Tecnicamente, o mérito maior fica na mis en cene criada pelo diretor e habilidade na câmera do diretor de fotografia.

Mais uma boa experiência do cinema alemão, que é um dos mais sólidos e contundentes do planeta. Imperdível.

Uma história com um personagem tão grandioso parece ter sido feita para ser apresentado na tela do cinema. No Coração do Mar é uma produção visualmente arrebatadora, assim como o seu design de som e tantos outros elementos como a fotografia e o design de produção. A base para a história de Moby Dick é de uma época nefasta, que dava glórias em caçar esses seres tão belos. Na narrativa, Ron Howard conta aventuras, soberbas, desesperos e redenções, pintando a tela do cinema como uma pintura bucólica e triste na maior parte do tempo. Se era melhor contar o mito à realidade, como diz o ditado popular, fica a cargo do espectador. Agora, por causa da popularidade do cinema, podemos ter os dois.

Howard monta um cenário muito rico visualmente na visita de Herman Melville (Ben Whishaw) a Thomas Nickerson (Brendan Gleeson). Um está buscando inspiração para a história que viria a ser Moby Dick; o outro, não querendo contar essa história, se esconde por trás de garrafas vazias que estão assim pelo fato do marujo beber todas, para depois transformá-las em arte com os navios em miniatura que coloca dentro delas. Interessante que, simbolicamente, Nickerson guarda sua vida dentro das garrafas, assim como esses pequenos navios, a ponto de não compartilhar suas experiências com ninguém, nem mesmo a esposa (Michelle Fairley).

Dividindo com eficácia os três atos da história, Howard leva a audiência junto com o Essex nos seus momentos de glória e desespero. Sabendo que o interessante é a aventura no mar o roteiro leva pouco tempo em solo, apenas o suficiente para conhecermos os motivos de Owen Chase (Chris Hemsworth) e George Pollard (Benjamin Walker) tem para embarcar e, eventualmente, voltar para casa. Owen será pai logo e tem que aceitar outro trabalho como imediato por causa de uma promessa quebrada. George se torna o capitão do Essex tão somente por seu nome. O diretor frisa bem a diferença entre os personagens quando percebemos as cicatrizes e marcas que Chase carrega em oposição ao seu capitão de cara mais limpa.

O início então é mais lento, como deveria ser uma longa jornada mar à dentro, o que dá tempo de incluir algumas tomadas inexpressivas como os donos da nave observando seu negócio velejando para longe. Um problema bem grave e que acompanha não só esse início, mas praticamente toda a história, é a música de Roque Baños. Não por não ser marcante, mas por estar presente em praticamente todos os momentos da narrativa. Durante os quase 120 minutos de projeção, a trilha do compositor espanhol não sairá dos seus ouvidos, mostrando que não se soube usar o silêncio, o que também é culpa de Howard.

Voltando aos temas visuais, a fotografia de Anthony Dod Mantle traz oposições nos diferentes mundos. Usando uma paleta de cores variada, que passa do dourado até o cinza, o diretor de fotografia conta a história também por cores. Num dos extremos vemos cores fortes na casa de Owen e sua esposa, o mesmo tom de quando a tripulação está no mar e consegue sua primeira caça. No meio do caminho há um tom ainda amarelado, porém pálido, que aparece no marasmo do Essex ficar meses sem avistar uma baleia sequer. Já o cinza está predominantemente na cidade tão avessa a Owen.

E é importante mencionar que até metade do filme não conhecemos a protagonista – contada do ponto de vista do jovem Nickerson (Tom Holland). A Grande Baleia branca é representada como uma verdadeira força bruta da natureza. Apesar da cor predominante clara, os responsáveis pelo seu design deixaram marcas que lembram camuflagem, como se ela estivesse preparada para a guerra. Além das várias feridas que apresenta ao longo do gigantesco corpo. E é impossível deixar de notar como esse episódio influenciou o jeito de contarmos histórias até hoje. Além de inspirar o próprio Herman Melville a escrever seu livro mais famoso, podemos encontrar ecos até mesmo em filmes como Rambo – a frase do filme de Stallone “é ele que está nos caçando” tem inegável inspiração na epopeia da destruição do Essex.

Celebrando algo odioso – a glorificação é errada, mas é um retrato da época – e escorregando em tornar os personagens mais carismáticos No Coração do Mar se destaca menos que o conto que inspirou. Os detalhes da produção valem a pena ser apreciados e serve também de estudo de um estudo de caso enquanto ouvimos um papo marítimo que parece realista e alguns detalhes da extração do óleo de baleia. As partes mais interessantes ficam por conta dos ataques do cachalote, sem dúvida. É uma pena que o visual supere a história em si, que perde um pouco de credibilidade até quando insiste em adiar a decadência do visual de um personagem que ficou meses à deriva apenas pela conservação da sua imagem de galã. Não é exatamente uma depreciação, mas ficou menos cru e realista que o resto do filme tanto pregou.

No cinema, Macbeth já foi filmada por mestres da sétima arte, como Orson Welles, em 1948, ou Roman Polanski, em 1971. Akira Kurosawa também a adaptou, no filme Trono Manchado de Sangue, em 1957. Temos, em 2015, uma nova versão cinematográfica, que vem do Reino Unido, sob a direção de Justin Kurzel e que faz jus à importância e ao significado cultural que Macbeth ostenta.

A nova versão é bem sofisticada em termos visuais. Explora a baixa luminosidade de largas paisagens escocesas e envolve as batalhas em densa neblina. Esse clima, onde prevalecem as brumas, dá conta da escuridão de sentimentos que acompanha a matança pelo poder. E não só a das batalhas, mas a de todo o reino, que se mantém e se renova pela violência. 

Se é de sangue que se trata, o filme explora, em belos enquadramentos, cenas em vermelho. Sombrio, mas também luminoso. O recurso da câmera lenta e do congelamento da imagem evita que um excesso de sangue se exponha desnecessariamente. E simplifica a filmagem de algumas cenas de batalhas.

Silhuetas se destacam no cinzento da névoa, no entardecer, no cromatismo rouge. A chuva cumpre seu papel na plasticidade dos planos retratados.

Bruxas, que aparecem e desaparecem, conduzem a história por meio de seus presságios e antevisões, que falam da conquista de grandes poderes e de elementos aparentemente mágicos que podem trazer derrotas. Os personagens construirão com planejamento, artimanhas, medo e espadas, os vaticínios das bruxas.

Por poder se mata, se mente, se deteriora o humano. Onde estarão os limites, pergunta Shakespeare? Nada mais atual.

Macbeth, bem interpretado por Michael Fassbender, grande ator contemporâneo, e Lady Macbeth, pela versátil atriz francesa Marion Cotillard, protagonizam o trágico casal real que atravessou séculos de história para nos contar da íntima conexão entre poder e violência e das terríveis consequências que advêm deles. O que, infelizmente, testemunhamos todos os dias neste atormentado século XXI.

Ator frequente também em filmes de Christophe Honoré, Louis Garrel divide com ele o roteiro de Dois Amigos. Honoré costuma trabalhar com personagens em busca de amor e afeto, mas um tanto estranhos e desencontrados. Ou bizarros, para ficar num termo frequente em língua francesa. Em Paris (2006), Canções de Amor (2007), A Bela Junie (2008) e As Bem-Amadas (2011) são exemplos de filmes que Honoré dirigiu, tendo Louis Garrel no elenco.

A experiência do ator e essas influências são muito positivas no que se vê em Dois Amigos. O filme se centra em dois personagens masculinos bem construídos. Frágeis, carentes, dependentes um do outro e com uma alma feminina, convivem com uma mulher forte, intensa e algo misteriosa, que luta para sobreviver, enquanto aguarda sair da prisão. Já está em regime semiaberto, trabalhando fora, mas isso ainda limita muito sua vida. O papel é da atriz iraniana Golshifteh Farahani, que já mostrou seu talento em filmes como Procurando Elly (2010), no Irã, e em Pedra de Paciência (2014), no Afeganistão. Ela vive na França e nem pode pensar em voltar a seu país de origem, depois que posou nua para uma revista. A propósito, ela está linda e sensual em Dois Amigos, é o grande destaque do filme. Uma estrela.

Além de Louis Garrel, que consegue dar conta de dirigir e atuar, está no filme Vincent Macaigne, o amigo, em belo desempenho. Ambos girando em torno da figura marcante da jovem mulher que, na prática, comanda as ações e dá luminosidade ao filme.