CINEMA

O gênero terror é um dos poucos que são mutáveis no mundo da sétima arte, podendo ir do pastelão ao sério em algumas cenas, encantando e amedrontando as cadeiras do cinema. Contudo, para conseguir essa façanha é difícil, e Floresta Maldita tenta alcançar este patamar de fascínio.

Acompanhamos Sara em buscar da sua irmã desaparecida em uma floresta no Japão, sendo a floresta conhecida como um lugar de suicídios constantes. Além do folclore local dizer que a floresta é amaldiçoada por fantasmas, o que não impede que Sara entre e procure sua irmã, antes que seja tarde.

Numa coprodução nipo-americana, o filme usa e abusa dos dois estilos de terror, criando um clima propenso para sustos verdadeiros. Até que funcionam, mas estes sustos são raros, o que sobra são sustos bobos. O roteiro não é ruim, apenas mal executado. A ideia de um floresta que enlouquece seus habitantes é genuinamente assustadora - parece com o outro filme do roteirista David S. Goyer (Alma Perdida, 2008) - mas a direção do novato Jason Zada se apoia muito em clichês, perdendo um pouco da originalidade do roteiro.

O elenco é competente, fazendo o que sabem fazer de melhor. Conseguem convencer o público de que o medo é real, mas a protagonista Natalie Dormer leva o filme "nas costas". Ela atinge uma atuação genuína e natural de uma pessoa caindo na loucura da floresta e conduzindo o público pelo filme, sendo constante o seu desempenho. Não é muito realista, mas verossímil ao filme.

O primeiro ato da Floresta Maldita é lento, seu ritmo prejudica o meio e fim. É fácil perceber o final da história, sendo o maior problema do filme, sua previsibilidade. Os sustos perdem o efeito assim que você descobre de onde eles vêm, enfraquecendo os alicerces da trama, que tinha potencial para ser um bom filme de terror.

Floresta Maldita não consegue chegar a seu destino final, sendo medíocre no final das contas. Nada tem o resultado esperado, a eficiência fica só na atuação da sua atriz principal, deixando o filme acessível para uma tarde chuvosa, quando não há mais nada passando na TV.

por Diego Castro

As animações percorreram um grande caminho, alguns estúdios conseguiram amadurecer, e a DreamWorks é um exemplo claro disso. Tendo no seu catálogo filmes que conseguem falar diretamente com o seu público, Kung Fu Panda 3 é outra prova desse amadurecimento.

O longa-metragem começa logo após os eventos do antecessor, com Pô dando outro passo para se tornar o novo mestre do Kung Fu. Contudo, uma nova ameaça aparece para acabar com a paz de seu vilarejo e agora Pô precisa se conectar com o seu lado panda. Além disso, precisa lidar com a chegada do seu pai verdadeiro.

As animações criadas pela junção dos estúdios orientais e ocidentais da DreamWorks criam uma das animações mais lindas na história do estúdio. O jeito de como os personagens se movem levemente - parecendo tinta no quadro - com cada luta e cada ação usando uma paleta de cores vibrantes, vívidas em cada canto da tela, sobressaindo diante de outras animações, dignas de grandes épicos do Kung Fu.

Os realizadores da produção sabem exatamente como encerrar a saga do Dragão Guerreiro, levando Pô ao seu desafio principal, amadurecer sem perder o espírito de aventura que tanto moldou sua jornada até esse momento. Uma aventura tocante sobre apreciar seu interior, mesmo que você seja um panda.

Os problemas do filme são devido ao pouco tempo que temos para explorar tanta beleza. Os personagens coadjuvantes não ganham a atenção necessária devido ao colossal número de criaturas carismáticas em Kung Fu Panda 3, se tornando um pano de fundo para as piruetas e pulos, que tomam conta da tela.

Assim que a trama se desenrola - apesar das falhas - as qualidades são mais expressivas, tirando o que é possível da ação e emoção que foram as bases da série. É estranho que, mesmo na sua terceira aventura, Pô ainda tenha fôlego para encantar os corações do público com sua simpatia e alegria, apesar do amadurecimento óbvio do personagem.

Um ótimo fim desse universo do Kung Fu Panda, mantendo a qualidade e a diversão do primeiro longa-metragem. É muito raro um filme se manter fiel às suas raízes - ainda evoluindo em muitos aspectos - apesar de faltar desenvolvimento por parte dos outros personagens. Mesmo assim, o Kung Fu Panda 3 tem força de cativar o seu público-alvo. Ao final - com saldo positivo - é bom ver o quanto um estúdio pode crescer sem perder sua essência divertida e inspirada. Fico ansioso para ver até onde esse amadurecimento pode levar a DreamWorks.

por Antonio Carlos Egypto

Tudo parece indicar o contrário, já que no mundo virtual as pessoas têm centenas de amigos. Verdadeiras bobagens viralizam, como se diz, entusiasmando os que as postaram. Pessoas mais conhecidas podem ter milhões de “seguidores”. Mas a solidão é um dos maiores problemas psicológicos do nosso tempo.

De muitas maneiras o sentimento de estar só, de não ser amado ou desejado genuinamente, de não encontrar sentido para a própria existência ou de se sentir isolado em meio à multidão são fontes de grande sofrimento. A falta de uma vida interior mais rica deixa muita gente sem o chão sob os próprios pés.

O cinema já abordou essa questão pelos mais diversos ângulos, geralmente no enfoque dramático. Será a comédia um bom meio de abordar o problema da solidão? Mais do que isso: a comédia ligeira e os personagens em situações bizarras, um tanto surrealistas, conseguem trazer alguma luz sobre um tema como esse? O diretor Samuel Benchetrit buscou esse caminho ao adaptar um livro que ele próprio escreveu, Les Chroniques de L’Asphalte, no filme Fique Comigo.

Num prédio de apartamentos, na periferia de Paris, o elevador vive quebrado, causando transtorno a seus moradores. Há um homem que, por morar no 1º. andar, não quer pagar o conserto do elevador, mas uma overdose de esteira ergométrica o deixa numa cadeira de rodas por algum tempo. Vai daí que ele se encontra casualmente com uma enfermeira de semblante triste e tenta conquistá-la, se passando por fotógrafo, que já rodou boa parte do mundo. Engraçado? Um pouco, mas beirando o constrangedor. A falta de espontaneidade, o passar-se por quem não é, se torna embaraçoso, digno de pena. Essa é uma das histórias, relacionamentos, que o filme mostra.

Há a da mulher emigrante de origem argelina, cujo único filho está na prisão, que recebe a “visita” de um astronauta americano, diretamente do espaço. E há, ainda, a história do adolescente que parece abandonado pelos pais e que descobre uma estrela morando a seu lado. A atriz, hoje decadente, traz uma nova dimensão à vida dele.

Fique Comigo mostra, alternadamente, os três casos. Todos em busca de reter alguém que, de algum modo, preencheu a vida de outro alguém, mesmo que de forma passageira, fluida, improvável. Com isso, se acentua a necessidade humana de afeto, uma necessidade desesperada, por sinal. E o custo da solidão. As histórias são diferentes entre si, mas dialogam a partir desse eixo central, que é relevante e sério. E não deixa de ser divertido, também.

O elenco é um dos trunfos do filme, a começar pela excelente Isabelle Huppert, no papel da atriz Jeanne Meyer, aquela que já teve melhores dias quando mais jovem. Logo Huppert, que está no auge da força interpretativa, ainda que o papel de Jeanne não exija tanto assim dela. Jules Benchetrit, filho do diretor, é o adolescente que contracena com ela.

Valeria Bruni Tedeschi, a enfermeira triste, e o suposto fotógrafo, vivido por Gustave Kervern, formam um par angustiante e revelador da solidão que procuram retratar. E o fazem muito bem.

A argelina Tassadit Mandi, atriz de Dheepan: o Refúgio, Palma de Ouro de Cannes 2015, muito boa, faz Hamida e seu par improvável é o astronauta, papel de Michael Pitt, de filmes como Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci, de 2003, e Violência Gratuita, de Michael Haeneke, de 2007. A dupla também funciona bem.

O conjunto continua dando a ideia de uma junção de histórias, apesar do elo que as une. Mas cada uma das três histórias é digna de atenção, e o tema está bem abordado no registro escolhido da comédia, algo dramática.

por Diego Castro

Em 2001, o primeiro O Tigre e o Dragão, fez um sucesso estrondoso de público e crítica, sendo premiado pela academia merecidamente. Cheio de delicadeza e poesia, contava uma história profunda e humana, contudo deixou algumas coisas em aberto, podendo ganhar uma continuação. Então - quando o serviço de stream Netflix disse que produziria a continuação - fãs ficaram entusiasmados para voltar ao mundo de kung fu e poesia.

Após 20 anos da morte de Li Mu Bai (Chow Yun-Fat), Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) é chamada para proteger a espada lendária - conhecida como a Destino Verde - do vilão Hades Dai (Jason Scott Lee). Ela tem como aliados Tiefang (Harry Shum Jr.) um ladrão habilidoso, a jovem de passado misterioso Snow Vase (Natasha Liu Bordizzo) e Silent Wolf (Donnie Yen) que possui uma forte ligação com Shu Lien.

O novo filme não tem a direção apurada e delicada de Ang Lee. Ao invés disso temos Woo-Ping Yuen, mais conhecido por montar as coreografias de luta. Logo no início é perceptível quanto o filme sofre sem a poesia, trocando conflitos filosóficos por cenas de lutas bem coreografadas. A essência que conquistou o continente ocidental está completamente perdida.

Os atores são muito talentosos - nenhum deixa a desejar - mas a escrita proposta fica fora de tom, algumas vezes até inconsistente. Com a cena anterior, o filme troca as cores cativantes do original por um filtro acinzentado, que ofusca muito do cenário construído, parecendo uma cidade feita de papelão ao invés de uma China antiga. A única coisa que funciona bem são as cenas de lutas, bem filmadas e muito bem executadas.

Não consigo entender como uma produtora de reputação - que tem no currículo a série americana House of Cards - erra tanto em uma continuação. As escolhas da produção são horríveis, não fosse pelo título não teria ligação nenhuma com o original de 2001. O tom teatral realístico no primeiro filme é esquecido, virando apenas um filme de luta, e nada mais.

Enquanto O Tigre e o Dragão de Ang Lee, conseguiu trazer pérolas orientais (Herói, Clã das Adagas Voadoras) para o ocidente como Heroi (2002) e O Clã das Adagas Voadoras (2004), o novo O Tigre e o Dragão terá sorte se alguém assistir até o final, pois não possui a magia que nos encantou no passado, fazendo dessa continuação um truque barato.

O Quarto de Jack começa como um filme claustrofóbico e assustador. Mostra uma mãe e uma criança vivendo num espaço minúsculo de cerca de 10 metros quadrados, sem nunca sair de lá. Só um homem aparece regularmente, traz víveres e outras coisas, paga as despesas, vai para a cama com a mulher e some. A filmagem acentua a exiguidade do espaço e a estranheza de uma vida num lugar sem janelas, de onde não se pode sair, em que a luz entra por uma claraboia no teto.

O que está acontecendo? Como essas pessoas vieram parar aí?

A mulher, Joy (Brie Larson), cuida de seu filho, que acaba de completar 5 anos, Jack (Jacob Tremblay). Conversa, interage com ele carinhosamente, faz comida, faz e orienta-o a fazer exercícios, ele vê TV, dorme e brinca como pode. Ao observar o que se passa por lá, vamos percebendo pouco a pouco do que se trata, enquanto sofremos a situação e vislumbramos, depois de uns quarenta minutos de filme, que algo mais poderá suceder.

O Quarto de Jack explora bem a situação de uma criança que nasceu e sempre viveu naquele ambiente fechado, sem contato com ninguém ou com o mundo. De que forma pode entender as coisas a partir das informações que recebe, basicamente, da mãe e da TV? Realidade e imaginação se embaralham o tempo todo.

O que seria esse mundo em que um dia sua mãe diz que viveu e que imagens televisivas mostram? O que acontece de fato e o que não? Crianças tendem a ter um pensamento mágico, próprio da imaturidade, mas, quando tudo se confunde, que repertório pode ser desenvolvido para se conseguir viver no mundo e tentar compreendê-lo?

O filme vai nos levando, de suspense em suspense, e nos fazendo viver uma situação de terror psicológico constante, quando nos detemos na vida e no comportamento adulto. O centro da narrativa, no entanto, é o mundo infantil de Jack, a maneira como ele apreende as coisas e como atua quando exigido. O que percebe e capta do mundo dos adultos e o que faz com isso. Nesse registro, tudo se dá de forma diferente, até os medos são outros.

O filme, uma adaptação do romance Room, de Emma Donoghue, descreve uma situação realista, mas é do mundo interno dos personagens que se trata. Algumas das soluções encontradas não são muito convincentes. Algumas das reações de Jack, também não. Mas isso não importa muito. A trama é boa, consistente e sintonizada com o nosso tempo. Hoje o que é real e o que é virtual estão cada vez mais mesclados, de modo que todos vivemos, de algum modo, o drama de Jack.

Os protagonistas de O Quarto de Jack, a atriz Brie Larson e o menino Jacob Tremblay, têm ótimo desempenho. Impossível não sofrer com eles, não torcer por eles. Em especial, pelo garoto, um belo achado do diretor Lenny Abrahamson.

O filme, produção do Canadá de língua inglesa e da Irlanda, concorre ao Oscar 2016. Tem méritos para ser lembrado. Dificilmente terá chance como melhor filme, mas concorre também como melhor roteiro adaptado e melhor atriz, para Brie Larson. Quem sabe?

por Diego Castro

Em 2002 foi lançada a comedia Zoolander, dirigida e protagonizada por Ben Stiller. Não foi muito bem com relação a bilheteria, contudo ganhou uma legião de fãs que em 2016 são recompensados com a continuação.

Derek Zoolander (Ben Stiller) - depois de viver anos no exilo - é convidado a voltar às passarelas da moda e reviver as glórias, tendo a seu lado Hansel (Owen Wilson). Contudo, ambos são recrutados pela agente Valentina Valencia (Penélope Cruz), para descobrir qual organização está matando as celebridades.

Ben Stiller é um diretor competente, prova disso é seu Trovão Tropical, O Pentelho e o recente A Vida Secreta de Walter Mitty. É percebível o amadurecimento entre os filmes e Zoolander (de 2002) foi um início para essa evolução. Zoolander 2 tinha tudo para ser outro passo nessa evolução.

O filme tem um ritmo muito prejudicial, sendo muito rápido para os personagens se desenvolverem. Pode-se perceber que o roteiro quer mostrar muito - mesmo tendo pouco tempo - e fica parecendo esquetes à la Monty Python. Sem inspiração ou graça, as piadas ficam fora de tom, o que na comédia tom é tudo.

Não existe tempo de conhecer os personagens, deixando-os desinteressantes. Parece um clube especial, onde somos convidados contudo não participamos. As únicas vezes em que as piadas funcionam é com as celebridades, isso porque o público consegue reconhecê-las e assim entender a piada. Exemplo disso é o início do filme, que executa o cantor pop Justin Bieber por fuzilamento.

As atuações do filme são boas. Todo o elenco consegue captar seus personagens - sem deméritos - mas Will Ferrel se sobressai com o seu Mugatu, roubando todas as cenas em que se encontra, salvando assim o terceiro ato do filme.

No final Zoolander 2 é apressado e sem ritmo, ansioso para fazer o público rir. E falha no processo, deixando de ser o próximo passo na carreira de Ben Stiller - virando um retrocesso - quem sabe com outro filme ele consiga mostrar o amadurecimento que tanto procura, estou ansioso para ver.

                                                                                           Antonio Carlos Egypto

Béla Tarr é um cineasta húngaro, nascido em 1955, que tem um trabalho autoral rigoroso e radical. Seu cinema é feito de longos planos sequência, com muitas repetições de atos silenciosos e brigas ou desentendimentos verbais, onde as palavras e expressões de ofensa ou mágoa também podem se repetir muito. É um trabalho artístico, que põe sua beleza a serviço de uma visão desesperançada do mundo.

Para quem nunca viu um filme de Béla Tarr, o que escrevi aqui pode assustar ou desestimular o interesse por seu cinema. Sim, é um cinema sofrido, porém, desafiador, capaz de nos transportar a universos e situações em que mergulhamos tão intensamente que saímos da experiência tocados por sensações e sentimentos fortes, mas que nos levam a refletir sobre o que vivenciamos ali.

O mais recente filme do diretor, concluído em 2011 e agraciado com o Urso de Prata do Festival de Berlim, é O Cavalo de Turim, que o cineasta afirma que deve ser sua última produção cinematográfica. Uma pena, se essa intenção se confirmar.

No texto de abertura do filme lê-se o seguinte: “Em Turim, em 03 de janeiro de 1889, Friedrich Nietzsche sai do imóvel da Via Carlo Albert, número 6. Não muito longe dali, o condutor de uma carruagem de aluguel está tendo problemas com um cavalo teimoso. O cavalo se recusa a sair do lugar, o que faz com que o condutor, apressado, perca a paciência e comece a chicoteá-lo. Nietzsche aparece no meio da multidão e põe fim à cena brutal, abraçando o pescoço do animal, em prantos. De volta à sua casa, Nietzsche então permanece imóvel e em silêncio, durante dois dias, estendido em um sofá, até que pronuncia as definitivas palavras finais (“mãe, eu sou um idiota”) e vive por mais dez anos, mudo e demente, sendo cuidado por sua mãe e suas irmãs. Não se sabe que fim levou o cavalo.”

O filme passa, então, a mostrar a vida de um condutor de uma carroça, de sua filha e do cavalo. Não há qualquer referência a Nietzsche, além do texto inicial. O Cavalo de Turim, na realidade, nos mostra a vida miserável desses personagens, numa habitação do século XIX. Os únicos pertences são uns poucos móveis rústicos, alguma roupa, lenha, fogão, água e batatas.

Fora da casa, um poço que provê a água e o estábulo, com o cavalo e a carroça. Passamos a viver intensamente o cotidiano dessa casa, onde os movimentos e os gestos se repetem, quase nada se fala e um vento forte e permanente aparece quando se sai da casa, se abre a porta ou se olha pela janela. A paisagem externa é desoladora, assim como o interior da casa. Se não existisse uma reserva de batatas, a fome se imporia de forma absoluta. Ou se o poço um dia secar...

As imagens em preto e branco, os enquadramentos perfeitos, mas quase imutáveis e a rotina minimalista dos personagens, captadas por meio de planos sequência longuíssimos, conseguem nos transportar para a vida no limite da fome e da morte, em pleno final do século XIX.

Os poucos elementos em cena são também essenciais para a obtenção desse efeito. Estamos em outra época, em outro mundo. No entanto, nos deparamos com uma questão que permanentemente tem desafiado a existência humana em todas as épocas: a erradicação da miséria. Impossível não se sensibilizar para essa questão, após assistir a O Cavalo de Turim.

O símbolo do cavalo é também muito bem explorado, desde a sua movimentação intensa, no início do filme, até sua paralisia completa, em que ele prenuncia e como que escolhe seu fim.

Uma obra de arte soberba, extremamente sofrida, difícil mesmo de assistir. Mas uma obra maiúscula. Radical em todos os sentidos. É até uma surpresa que esteja sendo lançada comercialmente nos cinemas, embora com muito atraso. De qualquer modo, atingirá um público reduzido, que terá condições de apreciar tal experiência cinematográfica. Os que entrarem no cinema desavisados ou serão tocados fortemente pelo filme, ou se ausentarão antes do seu final. Experimentos radicais geralmente produzem respostas de amor intenso ou ódio profundo. Não é assim?